Demasiadas veces los músicos concentramos nuestra atención sobre lo que parece obvio: la música. Si algo hace posible la danza es el espacio. Si un pintor puede pintar su obra es porque parte de un lienzo en blanco. Un arquitecto puede construir su proyecto porque existe un espacio tridimensional.

El soporte básico de la música es el silencio y sobre él transcurre el tiempo. Esos dos elementos son tan esenciales, tan primarios, que sin uno de ellos la música se haría inviable. Hay muchas maneras de abordar la composición, tantas como puedan ser imaginadas. Mompou es uno de mis compositores ’silenciosos’ favoritos. Su música parece manar del silencio y fluye con una naturalidad humilde, con una ausencia de artificio que esponja la percepción del tiempo. La serenidad debe ser algo parecido a esto.

]]> http://www.rafazaragoza.com/?feed=rss2&p=1950 0 http://www.rafazaragoza.com/?p=1934 http://www.rafazaragoza.com/?p=1934#comments Mon, 30 Aug 2010 10:37:48 +0000 Rafa Zaragoza http://www.rafazaragoza.com/?p=1934

Sir John Eliot Gardiner & the English Baroque Soloists interpretan el concierto de Brandenburgo número 2, en Fa. El concierto tuvo lugar en el Cadogan Hall el 14 de agosto de 2010.

Un buen amigo trompetista me hace llegar esta filmación destacando que ‘este es uno de los conciertos más difíciles del repertorio trompetístico’; y añade ‘la trompeta usada por el solista es un intrumento barroco, sin pistones, solo con cuatro orificios’

No solo la interpretación es impresionante, sino también el balance de los niveles de sonido, la mezcla final. El ensemble está como atrapado por un vigoroso ímpetu rítmico que transmite alegría, nitidez y delicadeza, todo en uno. La lógica y el sentido de la  continuidad, hechos música.

Así que, si la música es lo mejor, ¿qué es la música? Cualquier cosa puede ser música cuando alguien decide que va a serlo y el público que escucha lo percibe como música.

Pero mucha gente es incapaz de entender esta abstracción, o no quieren enfrentarse a ella. Es el tipo de oyente que te dice: ‘Dame una melodía, ¿me gusta esta melodía?, ¿suena como otra que sé que me gusta? Cuanto más familiar me sea más me gustará. ¿Oyes esa tres notas de ahí..? Esas son las tres notas que me hacen cantar. Me gustan mucho, mucho… esas tres notas. Dame un ritmo. Que no sea extravagante. Dame un buen ritmo que me haga bailar. Tiene que ser un bum-bap, bum-bum-bap. Si no lo es, voy a odiarlo mucho, mucho. Cuando hayas puesto todo eso junto, lo quiero ya mismo; y escríbeme muchas canciones como esa, una y otra y otra vez. Porque a mi me gusta muchísimo la música’. Biografía de FRANK ZAPPA

Improvisación libre en estudio. Ramón Solé y Rafa Zaragoza, guitarras. Grabado y mezclado por Guillermo Pérez Jové en estudios Bonsó. Colaboran Eduard Altaba, contrabajo y Pep Pascual, percusiones y saxo soprano.

Autoproducción bajo Licencia Creative Commons. Más información:

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Composición de 1937 para generador de ondas Martenot, instrumento de la familia del theremin.

Un grito desde la cueva se expande, se dispersa en un eco largo que inunda el espacio  natural habitable. La cueva es fresca en verano y abriga de las inclemencias del invierno. Es un lugar perfecto para el asentamiento, la supervivencia y la seguridad de sus habitantes.

Sorprendentemente, este enclave fue descubierto hace poco, en los años ochenta. Los lugareños sabían de la existencia de la cueva, pero no repararon en las figuras y los signos dibujados en el interior de las hoquedades, por entre los peñascos. La expresión simbólica es un indicador del nivel de evolución avanzado y de ahí que este lugar, aún poco conocido, haya cobrado una gran importancia arqueológica. Las figuras han sido catalogadas por los expertos como arte macroesquemático y no se sabe a ciencia cierta cuál es su significado, qué representan.

La expresión gráfica de un ‘algo’ interior es la primera manifestación  del gesto artísitico, ya que la simbolización está más allá de la urgencia del mero sobrevivir al instante.

Sorprende pensar cuánto esfuerzo ha supuesto llegar hasta donde estamos. Y sorprende más, si cabe, darse cuenta del modo en que estamos gestionando ese legado.

Aunque su nombre ¿real? sea Alberto Porta, es conocido (y reconocido) en el mundo del arte contemporáneo como Zush. Bueno, a lo largo de una primera etapa al menos, porque desde hace unos diez años su nombre pasa a ser Evru.

Le descubrí hacia finales de los ochenta. Y lo primero que me sorprendió fue su historia, su biografía.

Internado en un manicomio, apenas si pone el pie en el lugar cuando se le acerca un esquizofrénico y le saluda: “Hola Zush”. De este modo nace su primer nombre artístico (por alguna extraña razón, aquel esquizofrénico creyó saber, de una forma incuestionable, que el recién llegado tenía que llamarse Zush). Si no he comprendido mal sus propias palabras, la estancia en ese lugar espolea su ya potente imaginación creadora. Profundiza en los límites que separan la locura de la cordura, la ‘normalidad’ de la patología. La convivencia con sus compañeros del centro le hace ver el enorme potencial creativo de ‘la locura’. Las tormentas de la mente que distorsionan la realidad son capaces de crear auténticos mundos, en el sentido literal de la expresión.

Quizás por eso Zush decide crear conscientemente su propio mundo, no solo emocional, mental o plástico, sino también la expresión física de ese mundo. Crea un alfabeto propio, un país, una bandera, un himno y una moneda.

En 1989 compré Els llibres de Zush, publicación en la que se recoje de forma exhaustiva una gran parte de la producción contenida en sus ‘libros de arte’. Gracias a ese libro me doy cuenta de su enorme potencial creativo. Es fuerte, directo, brutal, tierno, denso, abigarrado, delicado, provocador, hiriente, pero siempre – al menos desde mi punto de vista – su obra transmite verdad, como un halo de lucidez brutal.

Si no recuerdo mal, hacia el 2000 el MNAC presentó una exposición del último Zush (antes de que pasara a llamarse Evru), donde se podían contemplar unas 300 obras procedentes de colecciones privadas y museos de Europa y Estados Unidos. Me entusiasmó. Zush no quiso que esa exposición fuera un ser pasivo, muerto, más bien al contrario, proporcionó a los visitantes una serie de herramientas personales para que aquel que quisiera creara lo que le pareciera mejor. Y para romper el hielo del ‘artista distante’ montó en el museo una tienda de campaña y se alojó en ella.

Interesado prácticamente por cualquier forma de expresión artísitica – desde la tinta china a la tecnología digital – Zush es también músico.  Toca el moog. Mañana, con Aixnóespànic, actúa como invitado especial en el bar Eléctric, junto a Victor Nubla, Quico Samsó y Albert Guitart. La última Impronit de la temporada. Una buena oportunidad para verle en acción.

Sigue impresionándome su tremenda capacidad creativa. Me declaro incondicional de Zush y también de Evru.

Aquí, el enlace a su página:

http://www.evru.org/

Construido a principios del siglo XVIII por los monjes dominicos almerienses, el Cortijo del fraile pasó a manos privadas en el XIX. Primero fue convento y más tarde cortijo.

Aunque desde afuera pueda parecer una construcción modesta, no lo es.  En su interior podemos ver una gran proliferación de estancias, desde el humilde dormitorio hasta las despensas, pasando por los cobertizos, los pasillos, los patios interiores, pozos, caballerizas, etc.

En el año 1928 tuvieron lugar aquí los hechos que inspiraron ‘La casa de Bernarda Alba’. Lorca tomó como fuente de inspiración una historia real ocurrida entre estos muros.

Se filmaron aquí escenas de la película ‘El bueno, el feo y el malo’, así como otros muchos spaguetti western de los setenta. En verano, la aridez descarnada del paisaje recuerda los implacables desiertos mexicanos.

Sin embargo, una fuerte atracción surge de la aridez de la piedra desnuda, del secarral. La rotundidad mineral, con la solana y el aire ardiente, parecen remover un algo profundo, como una sensación ancestral que uno tuviera casi olvidada.

Si vamos a mirarla con lupa, el 5/4 no es precisamente una métrica  que pueda ser hecha suya por el respetable, salvo si nos referimos al tema faro de la familia del 5, ‘Take five‘ o a su telecolega, Misión Imposible. Siempre me ha gustado Seven days, especialmente la A. Sin la voz, el tema está prácticamente desnudo. Apenas si contiene la estructura básica del ritmo (3 + 2), sabiamente repartida. Toda la canción cabalga sobre la inmensa batería de Vinnie Colaiuta más el bajo, con un pizzicato sampleado (dos sobre  tres) que rompe la rigidez angulosa del 5. Es muy difícil conseguir una atmósfera musical así de clara y presente usando los mínimos elementos. Y es uno de los aspectos que más me gustan de la música de Sting, su control sobre la atmósfera de la canción. El trabajo de Colaiuta es impecable, ¡cómo hace caminar el ritmo, con qué frescura y naturalidad! Atención a la figura rítmica de la guitarra a partir de 3:56.

Cien años atrás. Imagínate a una persona contemplando el mar desde una playa. A todos nos ha ocurrido en alguna ocasión, así que muy probablemente esa persona pensaría: ¡qué explosión de vida debe haber en esta inmensidad azulada! Pero cien años atrás solo podía verse el fondo marino zambulléndose en el agua, y así y todo, la visión era limitada y no demasiado detallada. Lo que habría dado esa persona en ese momento por ver esto. No siempre valoramos lo que tenemos en su justa medida. La vida submarina de los mares de Tailandia, en alta definición. Pasa a pantalla grande.